وصفات تقليدية

سيمفونية الألوان

سيمفونية الألوان

افصل البيض (بياض البيض عن الصفار). قسمت كمية السكر ، وضعت 5 ملاعق كبيرة من بياض البيض الذي جلدته. تم أيضًا خفق صفار البيض مع 5 ملاعق كبيرة من السكر ، مع مسحوق الخبز و 5 ملاعق كبيرة من الماء المعدني.على هذا الخليط ، أضفت تدريجيًا ملعقة كبيرة من رغوة بياض البيض + 1 ملعقة كبيرة.دقيق حتى أنا قد أدمجت جميع المكونات.

قسمت هذا المزيج إلى قسمين ، وتركت جزءًا واحدًا أصفر وأضفت قشرًا مبشورًا من ليمونة واحدة ؛ الجزء الآخر قمت بخلطه مع بودرة البودنج + 5 ملاعق كبيرة من الماء المعدني + جوز الهند.

لقد وضعت الجزء العلوي في صينية مدهونة بالطحين ، بالتناوب الألوان ، انظر الصور المرفقة.

اعتنى الفرن المُسخن مسبقًا بصينية لمدة 20 دقيقة تقريبًا ، بحيث تحمر الكعكة جيدًا عند 180 درجة.

بعد أن تبرد ، قمت بتزيينها لخيالي بتزجيج أبيض ووردي.

شهية طيبة!




كيف أحرق الروس أخذ الروماني

أنا أتحدث إلى بيسارابيان دوميترو موروزوك. كارفر العمر. ومن الأب إلى الابن مع الحرفة والقلب الجليدي. التحدث إلى بيسارابيان ممتع وصعب في نفس الوقت. الناس أكثر دفئا مما لم يروه من قبل. لكن غالبًا ما تكون وراء كل قصة مأساة. لقد تعلمت الكثير من قصصهم. لكن لا يزال غير كاف. يجلب Dumitru & icircmi & icircn إلى المقدمة علامة تبويب جديدة. ما مرت به الحرف بعد سنوات Prut & icircn السوفيتية.

أفران الديناميت

لم يتبق شيء في المنازل وتحت الأكواخ. عندما دخلوا بيسارابيا ، وضع الروس أنظارهم على الأفران التي كانت تحترق فيها الأواني والمقالي. كان احتلال الطين عالي القيمة خلال فترة الإمبراطورية الرومانية العظمى. وماذا فعل الروس؟ قاموا بتفجير الأفران. هل هذا صحيح؟ "نعم ، وضعوا الديناميت والثلج عليهم وحطموهم".

حرق الأزياء الشعبية

ثم أخذوا الأزياء الشعبية من بيوت الناس حيث دخلوا بالبندقية وأضرموا فيها النيران. في وقت لاحق ، جاء القرويون أنفسهم ليحرقوا جواهرهم الخاصة في البلاد ، ورث الكثير منهم من أجدادهم وأجداد أجدادهم. أذابوا صناديق مهرهم. إذا تم العثور عليهم مع مثل هذا الشيء ، فإنهم يخاطرون بالترحيل إلى سيبيريا. يقول دوميترو ، رجل يبلغ من العمر 55 عامًا: "هكذا كان الأمر حينها!" يعرف بعض الحقائق بشكل شخصي. سمع آخرين من والديه.

أرقام مأساوية

سحب الهواء والصدر icircn. أشعر أنني أختنق. كنت قد كتبت كل ما قاله لي محادثتي وكنت متعبًا. لقد استنزفني الشر. هذا الشر الذي لا يزال بيسارابيا يسحب الخيوط منه. خلال المملكة و icircn هذا الجزء من البلاد كان هناك 120 حرفًا. يوجد اليوم 20. البقية تم محوها من على وجه الأرض. & Icircn وقت & bdquohomo sovieticus & rdquo.

البطل الذي لا ينسى

أسمع قصة أخرى ، من عام 1962. كان حرفيًا ، نجارًا من نوعه ، اسمه جورج موروزيك ، من قرية فليتي ، لم يعد قادرًا على تحمل الكذب والمصائب. أخذ العلم الروماني ، ولا يعرف من أين وكيف حصل عليه ، وربما أخفيه في مكان ما ، وصعد معه على مدخنة مصنع السكر من الإسكندرية.

جلس هناك لساعات. لقد رفع العلم أعلى البرج. لكي يرى الجميع ، بعيدًا ، أرضه هي الأرض. أخذ معه الشاعر الذي نحت الخشب به. دافع عن الالوان الثلاثة بأداة عمله. لم تعد الحرفة ، كما أتحدث اليوم ، مجرد وظيفة بسيطة تعرف منها ما تفعله. كان شكلاً من أشكال المقاومة.

كان هناك كثير من الازعاج. خرج الناس إلى الشارع ليروا ما كان يحدث. في النهاية تم القبض على النجار. انهار Gheorghe منذ خمس سنوات. هناك ، في قريته ، فليتي ، قادته كل أنفاسه إلى القبر. كان التابوت يرتدي الألوان الرومانية الثلاثة. لقد كانوا بطلا حقيقيا على الطريق الأخير. هو ، النجار ، النجار ، جورج موروزيك.

& bdquo نحن دائما معا و rdquo

يجلس دوميترو وعيناه منحنيتان فوق منحوتاته. أشعر أنني اقتربت منه ، وأنني استحضرت الذكريات فيه. أصابعه الكبيرة الخشنة ، أصابعه السميكة ، تغطي الجسم الصغير بالكامل الذي يأخذ شكله ببطء وببطء. & bdquoأمتنا مرت بالكثير. ووقعنا على ركبنا. لقد اجتمعنا دائمًا & rdquo ، تخرج الكلمات كما لو كانت من اللون الأزرق.

آخر 600

اجتمع الحرفيون المشهورون في بيسارابيا في اتحادهم فور إعلان جمهورية مولدوفا استقلالها. لقد انحسرت المياه ولم تجف. يحصي الناس بعضهم البعض ويرون أن هناك 600 في المجموع.

منذ ذلك الحين ، أصبحوا أصغر. تم بناء الاتحاد في الغالب في الأحياء القديمة. لم يعد الشباب مهتمين بالحرف اليدوية. لقد ذهبت الأجيال الجديدة إلى الغرب ، إلى حياة أفضل ، إذا رأوا أن الحياة تزداد سوءًا في الجمهورية الجديدة. ولا آفاق.

الأرجوحة المنحوتة

توقف النحات في القصة مرة أخرى. أنا أتنفس مرة أخرى. وأنا أسأل نفسي باستمرار. زوجته ، فيرونيكا ، هي أيضًا حرفيّة شعبيّة. يعرف كيف ينسج الاندفاع. إنها أيضًا معلمة. كان والد دوميترو نحاتًا على الخشب. وكذلك الجد. لديه شقيق. لديه نفس العاطفة. & bdquo نشأت بين الأدوات التي تعطي الخشب صوته. هزتني أمي في الشجرة التي نحتها جدي.

معاناة جديدة بعد عام 1990

القرية التي ولد فيها ، والتي لا يزال يعيش فيها اليوم ، تسمى رويل. & يسيركن قرب بلدة بلطي. يتذكر أنه في عام 1990 ، أثناء النهضة الوطنية في بيسارابيا ، ارتدى زيًا شعبيًا وذهب إلى المدينة. كان سيضرب من قبل الناطقين بالروس. شارك في ظهور نادٍ للحرفيين في بوليوي.

روى الحقيقة ومدارس icircn

يذهب إلى المدرسة في قريته ويتحدث إلى الأطفال عن التقاليد والحرف اليدوية. لقد التحق بالعديد من المدارس والمدارس الثانوية الأخرى في الجمهورية لسنوات. فتح بابًا للصغار الذين لم يروهم من قبل. يصفون زيهم الشعبي ، شيميرا ، قبعة الفلاحين ، شبه مفتوح ، بونديتا.

& bdquo & Icircn منذ 25 عامًا أقوم بتشجيع الفن الشعبي في مجال الشباب. لقد قمت بتعليم أجيال من الأطفال. وصفت لهم كنزنا. جزء من ثقافة Roma & acircnești & rdquo.

لاحظت شفاء الروح من صدر بيسارابيان. & Icircn بشكل خاص c & acircnd يتحدث عن Rom & acircnia. "في زمن السوفييت تعلمنا أن الرومان هم أعداؤنا". انه تتنهد.

سمفونية الليل

ذكريات أخرى تظهر من طفولته. كان يتسلق التل ليلاً ، الذي يحرس القرية ، ويسمع سمفونية في بحر السلام. كانوا نجارين. كل نبضة مع شاعره بأسلوبه الخاص. لقد علمهم ، الطفل في ذلك الوقت ، الأسلوب والتناغم والإيقاع. كان هناك 30 حرفيًا. من صوت الشاعر و icircşi أدرك من هو. عمل الناس بعد حلول الظلام. ج & يجب على السلطات أن تنام. فقط في ليلة النجارة ، لبسوا ملابسهم الحقيقية ، من التجارة التي لم يرغبوا في التخلي عنها ، وتخلصوا من عقائد النهار. كانوا ينامون بضع ساعات إضافية ، وفي الخامسة صباحًا يستيقظون للذهاب إلى العمل في كولخوز.

اليوم هناك حديث عن النجارة أكثر مما كان عليه في الماضي. وينطبق الشيء نفسه على فن النسيج. فقط في قرى قليلة في جمهورية مولدوفا تُعرف أسرارها. كما اختفى الروتاريون. والحرفيون الذين صنعوا أحزمة الخيول.

سجاد الذرة

تنظم العديد من البلدات والقرى في الجمهورية معارض الحرف اليدوية. و bdquo و أذهب إلى كل مكان مع ثمار عملي و rdquo. هذا ما يعيش عليه.

سقط على ركبتيه مرة أخرى. يعرف من والديه كيف أنه خلال المجاعة في بيسارابيا ، بعد الحرب ، أصبح سجاد الفلاحين ، ذو الألوان الزاهية الزاهية ، نوعًا من العملات للأشخاص الذين أعطوهم مقابل الذرة والقمح.

غابة التماثيل

يعود إلى يومنا هذا. قبل ست سنوات ، أرسى أسس حجز أعمال في فن الخشب. في وسط Ungheni Woods تظهر غابة التماثيل. & bdquoPlaiul Fagului & rdquo ، هذا ما تسمى المنطقة. من يصل إلى هنا محاط بشخصيات هي حالة الرجل ، تجسد القصص الخالدة. هراب أبيض ، طائر ، حرب العصابات. واشياء أخرى عديدة. تم تدريب العديد من النحاتين من قبل الشركة التي يشرفني أن أكون معها الآن.

مدرسة مهنية

في قريته ، بمساعدة مجلس المدينة ، افتتح هذا العام مركز الحرف التقليدية. في الواقع ، مدرسة يتم فيها تكوين أجيال جديدة في أنواع مختلفة من التعبير عن التقاليد.

& bdquo نحتاج إلى مزيد من المساعدة. & Icircn معدات خاصة للخشب والسيراميك و rdquo ، هي إشارة إلى أن الرجل و icircl يسحبان. أحمل هذه الرسالة. ربما ، من يدري ، سيتم أيضًا سماع & icircn Rom & acircnia ، حيث سيأتي الدعم المحتمل. يحظى دوميترو موروزوك بالتقدير في الوطن الأم ، كونه عضوًا في أكاديمية الفنون والتقاليد في سيبيو. تواصل حركاته الدمدمة. لم يتوقفوا لحظة ، لأكثر من ساعة ، وأنا أتبع مصيره. & bdquo وليس لديهم حتى وقف g & rdquo ، إنه مثل وعد لنفسه. موجهة إلى المستقبل.


السحر والطقوس والنوبات.

  • مقالات سحرية (21)
  • الحمامات والأدوية (11)
  • بليسينج (4)
  • مطبخ التعاويذ 6
  • النرد في الحبوب (4)
  • العين (3)
  • التكهنات (12)
  • تمارين سحرية (8)
  • جريموير (5)
  • ماجيك تولز (2)
  • أسئلة / أجوبة (3)
  • أساطير (4)
  • رون ماجيك (13)
  • سحر الاحلام (8)
  • ماجيك بوشنز (2)
  • وصفات طبيعية (5)
  • النوم والأحلام (6)
  • العلاجات (7)
  • نوبات (40)
  • تعاويذ بالشموع (10)
  • ويكا (6)

العلاج بالموسيقى

ما هو العلاج بالموسيقى

بمرور الوقت ، لوحظ التأثير المفيد للموسيقى ذات الأصوات اللطيفة وأكثر من ذلك في بعض الأشخاص الموهوبين ، تجارب رائعة مماثلة لتلك الموجودة في عالم القصص الخيالية ، خارج كوكب الأرض ، خوارق معبر عنها بلغة حالية.
تتحدث الأساطير عن الإله PAN الذي ، عندما غنى إلى Panpipes ، مسحور الحيوانات ، رقصت الماعز.
قام أورفيوس بترويض الوحوش بالجنيه ، ويخبرنا الكتاب المقدس كيف أخذ داود القيثارة وغنى لشاول ، وكان الأمر أسهل وأفضل بالنسبة له ، وفارق الروح الشرير عنه.
كان طلاب فيثاغورس (فيثاغورس) يمارسون الموسيقى والأغاني والإيقاعات والرقصات المختارة للحفلات أو للاحتفال الديني العام مع العلم بآثارها.
اليوم نرى بشكل مباشر أو في الأفلام كيف تغني بعض الحيوانات ، فإنها تصدر أصواتًا شنيعة من خلال التدريب. لدى الكثير منهم سلوك من عشاق الموسيقى ، يتجمعون حول أجهزة الراديو ، ويعطون علامات الامتنان عند الاستماع.
يُعرف تأثير الموجات الصوتية على كل من النباتات التي تنمو وتنمو بشكل أفضل ، وكذلك على إنتاجية الحليب ، في الأبقار التي تغني في إسطبلاتها ، يتم الاستماع إلى الموسيقى.
هذه هي الطريقة التي يتم بها إعادة اكتشاف الفضائل المتعددة للموسيقى - ليس لها دور أو وظيفة جمالية ثقافية فقط ، كما يعتقد البعض للوهلة الأولى ، ولكن لها أيضًا وظيفة علاجية فلسفية وسحرية.
نذكر بشكل عابر أن التعويذات (السحر الأبيض) التي كانت تمارس في العصور القديمة ، ولكنها اليوم أيضًا تهمس ، مع التأكيد على كلمات مفتاحية معينة من خلال التعويذات ، والتي تصدر ترددًا معينًا يتردد صداها لدى المريض.
هل فقدت الموسيقى قوتها المخترقة في النفس البشرية وأنتجت تحولات حقيقية؟
لا! لقد زاد جهل الناس فقط ، ولكن من خلال عدم معرفة ذلك يمكن أن يقعوا فريسة للذواقة الذين يستخدمون أصواتًا مدمرة بحواس معينة ، عادةً ما تكون عالية جدًا ، والتي تقترب من تواتر الضوضاء ، غير سارة للأذن.
ناهيك عن الرسائل النصية عندما تكون الموسيقى مصحوبة بالكلمات!
تم إهانة الموسيقى. في السعي وراء الأصالة ، على غرار القرن ، وصلت إلى التوسع ، والطفرات الأسلوبية الحقيقية.
يقول بيان الموسيقيين المستقبليين: إنه لمن دواعي سرورنا أن نجمع بشكل مثالي أصوات الترام والشاحنات والميزات والحشد الصاخب ، بدلاً من الاستماع على سبيل المثال إلى Heroic أو Pastoral ، وفي عيد الفصح - مزيج من القاطرات.
كيف حدث هذا الوضع؟
الرجل المعاصر مشغول للغاية لا يحجز الوقت لنفسه. لم تعد عملية السحر تحدث عندما يُسمع الفلوت أو القيثارة. لقد ولت الطفل ، الذي يجب أن يوجد في الجميع - طفولة الإنسان ، والقدرة على الإعجاب بالجمال ، الأصلي ، الذي يعطي النضارة والحيوية.
بدلاً من ذلك ، هناك خطر من أن تصبح الموسيقى قوة مرة أخرى ، لإحداث اضطرابات نفسية عنيفة لا يمكن تصورها ، خاصة بين الشباب المتابعين للتيارات الجديدة (موسيقى الجاز ، والروك ، وموسيقى الهيفي ميتال ، وما إلى ذلك).
علاوة على ذلك ، يبدو لنا أنه من المهم للغاية التنديد بالآثار الضارة ، وإبلاغ عامة الناس ، والناس من جميع الأعمار ، وخاصة الشباب ، بالحقيقة حول الموسيقى وفضائلها ، وآثارها المفيدة والشفائية.
علاج الميل هو طريقة للشفاء أو تخفيف الأعراض من خلال الاستماع إلى الموسيقى.
الأسئلة التي تطرح على الفور هي التالية:
ما هي الموسيقى التي لها فضل الشفاء؟
ما السرعة التي لديها؟
في أي بيئة يتم الاستماع إليها؟ ما هي شروط الاستماع؟
ماذا يجب أن يكون مستوى الصوت؟ (كيف يجب أن يكون مرتفعًا أو بطيئًا؟)
الموسيقى التي لديها القدرة على إحداث توازن في الطاقة من خلال ظاهرة الرنين الحيوي التي تحدثها الاهتزازات الصوتية هي موسيقى آلات بشكل عام. في الواقع ، المعنى الخالي من الكلمات للموسيقى هو ما يعطي القوة والقيمة. يقال أنه لن تكون هناك موسيقى ولن تكون هناك حاجة لها إذا كان بإمكان المرء التعبير شفهيًا عما يتم توصيله من خلال الموسيقى: مجموعة كاملة من المشاعر الإنسانية ، والظواهر الطبيعية ، واقتراح الفصول ، ولحظات النهار والليل مع لا يمكن وصفها. الانبهار ، ومعجزات المناظر الطبيعية ، وتعبئة القوى ، والطاقات ، أو ، على العكس من ذلك ، تبديدها ، وتشتت في محيط المجرة.
الإيقاع هو العنصر الأساسي الذي يمنح الراحة أو عدم الراحة والذي يربط الجمهور (المستمع) بشعور الوقت.
من المعروف أنه خلال الحياة داخل الرحم يستمع الجنين إلى دقات قلب أمه. يعتاد على هذا الإيقاع. في سياق الحماية القصوى عند درجة حرارة الجسم. إن إيقاع طبول الشعوب البدائية هو بالضبط هذا الإيقاع.
في موسيقى العصور الوسطى والكلاسيكية نجد إيقاعًا مشهورًا لحياتنا يتجاوز الذاكرة ، عزيزًا في العقل الباطن.
فيما يلي قائمة (وفقًا لباحث أمريكي) بالملحنين والمصنفات المستخدمة عمومًا:
باخ:
Largo ، الحفلة الموسيقية في La
سيمفوني في شقة ب
جناح للأوركسترا
حفلة براندنبورغ لا. 4
بيتهوفن:
بطولي
سوناتا الشهر
السمفونية السابعة (اليغريتو)
برامز:
مواقع intermezzo
شوبان:
الحفلة لا. 1 للبيانو (ص II)
رقصة الفالس في القاصر
ديبوسي:
ضوء القمر
اليونانية:
كونشيرتو البيانو في قاصر (ص II)
هايدن:
سيمفوني لا. 99 (ص 2)
بريد:
استدعاء
مندلسون:
السمفونية الإيطالية (ص 2)
موزارت:
سيمفوني لا. 40 (ص 2)
العميد:
انترميزو
رحمانينوف:
الحفلة لا. 2 (ص 2)
سان سين:
أكواريوم (من كرنفال الحيوان)
شومان:
الأرابيسك. خيالية
شوبرت:
السيمفونية الثامنة (ص 2)
تشايكوفسكي:
السمفونية السادسة
فاغنر:
مقدمة لبارسيفال
نجمة المساء (ترانهاوزر)

شروط الاستماع:
من المستحسن أن تكون بمفردك في الغرفة ، قدر الإمكان في غرفة لا يتم فيها إزعاجك أثناء الاستماع
يجب أن يكون مصدر الصوت (راديو ، مشغل كاسيت ، مكبر صوت) على مسافة 2-3 أمتار من الكرسي أو الكرسي بذراعين الذي تجلس عليه
ستتم إزالة الأشياء أو الصور التي تثير الذكريات من المجال البصري
يجب ألا يكون الكرسي أو الكرسي بذراعين مرتفعًا جدًا ولا قصيرًا جدًا ، حتى لا يعيق الدورة الدموية
سيتم وضع اليدين بجانب الجسم ، وستكون الأرجل متوازية وليست متقاطعة ، وذلك لتسهيل الدورة الدموية النشطة في خطوط الطول في الجسم.
(نستخدم الموقف المتقاطع عندما ندافع عن أنفسنا من محاور غير سار أو ينقل لنا أشياء غير سارة أو له نبرة معينة ، عنف لفظي).
مستوى الصوت ، من الصعب علينا تحديد شدته. أنت الشخص القادر على تقدير كل واحد وفقًا لمزاجه وحدته السمعية ، ولكن ضع في اعتبارك أن المستوى الضعيف جدًا يمكن أن يزيل بعض الانطباعات ، خاصة عندما يتعلق الأمر بلعب أوركسترا ، ومستوى مرتفع للغاية (بصوت عال) متعب. يغير القوة العاطفية للسمع.
يمكن استخدام المعينات السمعية في المنزل حتى لا تزعج أفراد الأسرة الآخرين.
يمكن أن تكون إضاءة الغرفة أو الغرفة التي تُعقد فيها جلسة العلاج بالألوان:
طبيعي (ضوء النهار)
اصطناعي ، خاصة عند دمجه مع العلاج بالألوان ، يمارس اختيار اللون حسب التشخيص.
أيضًا ، عندما يكون الجو ممطرًا أو ضبابيًا ورماديًا بالخارج ، نستخدم أيضًا الضوء الاصطناعي ، إما في المنزل أو أثناء الاختبار الجماعي المنظم.
درجة الحرارة المحيطة: 20-22 درجة (18-24 درجة).
أثناء الاختبار ، نوصيك بأن تتذكر الأشياء الرائعة في الطبيعة: الجبال والغابات والمياه الصافية والزهور وتناغم الألوان ، وما إلى ذلك ، وإذا كنت متعبًا ، فلا تفكر في أي شيء ، اترك نفسك مسروقًا ، أو تمطر ، أو تهز. بالموسيقى.
نوصي بالاستماع إلى ثلاث مقطوعات موسيقية على الأقل. يتم اختيارهم وفقًا للمستوى الثقافي والثقافة الموسيقية والحالة العاطفية والتشخيص عندما يكون الشخص مريضًا.
لذلك يتم استخدام العلاج الميلاني مثل الطرق الطبيعية الأخرى للأغراض الوقائية والعلاجية.
الطبيب المعالج هو من يختار المقطوعات الموسيقية في الحالة الثانية.
لأن الموسيقى تعمل بمهارة ، على نظام الاهتزاز والرنين الحيوي ، حتى موسيقى الملحنين الكلاسيكيين المثقفين ، في أقسام الطب الباطني أو في عيادات طب الأسنان ، بغض النظر عن درجة ثقافة المريض سيكون لها تأثير مفيد.


يوحنا ٨ ، ٥١-٥٩

"قال الرب لليهود الذين أتوا إليه: الحق الحق أقول لكم: إن كان أحد يحفظ كلامي ، فلن يرى الموت أبدًا. فقال له اليهود الآن علمت أنك شيطان. ومات ابراهيم ايها الانبياء وقلتم ان كان الرجل يحفظ كلامي أفلا يذوق الموت الى الابد. ألستَ أعظم من أبينا إبراهيم الذي مات؟ ومات الانبياء. من تصنع نفسك لتكون؟ أجاب يسوع ، إذا مجدت نفسي ، فمجدي لا شيء: إن أبي هو الذي يمجدني ، الذي تقول عنه إنه إلهك. وأنت لم تعرفه ، ولكني أعرفه ، وإذا قلت إنني لا أعرفه ، فسأكون مثلك كاذبًا. لكني أعرفه وأحفظ كلمته. فرح أبوكم إبراهيم برؤية يومي ورآه وفرح. فقال له اليهود: ((لم تبلغ بعد خمسين سنة ، ورأيت إبراهيم؟ قال لهم يسوع الحق الحق اقول لكم اني امام ابراهيم. فتناولوا حجارة ليرجموه إليه ، واما يسوع فاختبأ وخرج من الهيكل عابرًا في وسطهم وعبر هكذا.


المحتوى

كلمة سيمفونية مشتقة من اليونانية مزامنة (معا) و هاتف (للإتصال). في القرن السابع عشر ، تم استخدام المصطلح لمقدمات الأوركسترا للأعمال (سمفونية) ، cantatas ، oratorios ، للمقدمات الأوركسترالية للأرياس ، ولكن أيضًا لأعمال المجموعة التي يمكن تصنيفها على أنها سوناتات أو حفلات موسيقية. كان العامل المشترك في الاستخدام المتنوع للمصطلح هو التعامل مع السيمفونية أو السيمفونية كجزء من جزء أكبر من مقطوعة موسيقية.

لفهم تطور أسلوب السيمفونية الكلاسيكي ، من الضروري متابعة تطوره في القرن الثامن عشر. بادئ ذي بدء ، تم استغلال السيمفونية بكثافة كبيرة على مدار القرن: يحتوي كتالوج سيمفونيات القرن الثامن عشر على أكثر من 13000 من هذه الأعمال المميزة. في ذلك الوقت ، لم يكن في أوروبا نمط فخم أو كنيسة أو حتى خاص يحتوي على سلسلة (مخزون) من السمفونيات. تم اكتشاف مجموعات قيمة في فنلندا أو صقلية أو كييف أو سالم. كان المركز الرائد في إنتاج السمفونيات بلا شك فيينا ، تليها ألمانيا وإيطاليا وفرنسا وإنجلترا ، ولكن حدث نشاط مهم أيضًا في الدول الاسكندنافية وإسبانيا وبولندا وروسيا. ثانيًا ، يتمثل أحد الجوانب المهمة في التطوير المستمر للسمفونية ، بدءًا من نهاية القرن السابع عشر بالاحتياجات الفنية للأدوات والمحتوى وتباين الإيقاع ، وأخيراً يؤدي إلى سلسلة متوازنة من الإجراءات التي تلخص الكلاسيكية نمط. أخيرًا ، فإن توصيف الطابع العام للسمفونية على نطاق أوسع ، جنبًا إلى جنب مع حقيقة أنها لا تعتمد على براعة معينة لتحقيق مثل هذا التأثير ، أعطاه وزنًا ومعنى يتطلبان مهارات الملحن. يظهر المكانة البارزة المتزايدة للسمفونية في القرن الثامن عشر بشكل ملموس في الأهمية المزدوجة التي تحتلها في الفهارس المنشورة والدور الرائع الذي تلعبه في كتابات ذلك الوقت. [1]

تسجيل المصطلح في المصادر المبكرة التغيير

في العصور القديمة اليونانية ، يشير المصطلح Συμφωνια إلى الحروف الساكنة ، ولا سيما التوافق التام (اوكتاف) ، ولكن استخدمه أرسطو (في "About Heaven") للإشارة إلى الأداء العام للعديد من الموسيقيين. [يتطلب الاقتباس] في الرومان ، في اللاتينية الكلاسيكية ، كانت تسمى الجوقات التي يتم فيها غناء الأوكتاف السمفونية. في العصور الوسطى ، مصطلح سيمفونيا يعارض غشاء: الأول يشير إلى التناسق ، بينما الثاني يتوافق مع التنافر. يستخدم Isidore of Seville (560-636) الكلمة اللاتينية سيمفونيا لتسمية آلة قرع برأسين. في فرنسا المتقدمة والمتأخرة في العصور الوسطى (القرنان الثاني عشر والرابع عشر ، سمفونية كان اسم قارورة (عضوي). في ألمانيا ، سيتم استدعاء العمود الفقري لاحقًا سمفونية.

عصر النهضة وعصر الباروك

تم العثور على أول استخدام للمصطلح للإشارة إلى مقطوعة موسيقية موسيقية في مخطوطة من القرن الخامس عشر اكتُشفت في لايبزيغ ، والتي تحتوي أيضًا على سيمفونية "لـ آلة توبا وغيرها من الأدوات المتناغمة ”(عدم الخلط بين اللاتينية آلة توبا مع الأداة الحديثة ، تعد توبا النهضة أيضًا نوعًا من آلات النفخ النحاسية ، ولكن من بنية مختلفة تمامًا). بدءًا من القرن التالي ، يتم استخدام كلمة "سيمفونية" بشكل متكرر ومعاني مختلفة. وهكذا ، في عام 1585 ، في أنتويرب ، تم تسمية مجموعة من مادريجال سيمفونية ملائكية من قبل العديد من الموسيقيين الممتازين. في إيطاليا ، في عام 1589 ، تجمع لوكا مارينسيو تحت اسم سيمفونيا سلسلة من intermezzi مؤلفًا ، وفي البندقية ، في عام 1597 ، قام جيوفاني غابرييلي بتأليف سلسلة من المقطوعات الصوتية والآلات على عدة أصوات ، والتي أطلق عليها Cantus sacrae symphoniae. في عام 1603 ظهرت مجموعة من القطع تحت اسم نورمبرغ Sacrae symphoniae diversorum excellentissimorum auctorum.

التأليف الموسيقي الذي يُطلق عليه منذ القرن السابع عشر على نحو متزايد اسم "سيمفونية" (بالإيطالية: سمفونية) هي مقدمة مفيدة لعمل غنائي ، وهو نوع نشأ في ذلك الوقت في إيطاليا ، وخاصة في فلورنسا - بدءًا من جاكوبو بيري (يوريديس) ، جوليو كاتشيني وآخرون داخل الدائرة الثقافية كاميراتا دي باردي، مع فينشنزو جاليلي كمعلم موسيقي له. [يتطلب الاقتباس] مثال على ذلك "السيمفونية" التي تفتح بها الأوبرا الشهيرة أورفيوس كلاوديو مونتيفيردي (1607).

في وقت لاحق ، تم التمييز بشكل واضح بين "السيمفونية" الفرنسية والإيطالية. على عكس المقدمة الأوركسترالية للأعمال الفرنسية - افتتاح (باتباع المخطط الذي اقترحه جان بابتيست لولي ، وهو السرعة البطيئة ، وأحيانًا مع استئناف الحركة الأولى) ، سمفونية تميزت الإيطالية (التي اشتهرت بشكل خاص من قبل مدرسة الموسيقى في نابولي من قبل أليساندرو سكارلاتي ، ثم انتشرت في جميع أنحاء البلاد) بحركات سريعة بطيئة وسريعة.

التغيير الباروكي المتأخر و "النمط الشهم"

لا يزال مصطلح السمفونية يستخدم في معاني مختلفة. يسمي يوهان سيباستيان باخ "سيمفوني" بدورة اختراعات هاربسيكورد (1723) ، بالإضافة إلى المقدمة تطابق في C طفيفة ل harpsichord.

بالقرب من منتصف القرن الثامن عشر ، يتضمن الجيل (الذي نصب نفسه مؤلفًا لـ "الأسلوب الشجاع") الذي سيحدد الانتقال إلى أسلوب متغير جذريًا (يُعرف اليوم باسم "الكلاسيكية") عددًا من ردود الفعل القوية على جماليات موسيقى الباروك. كارل فيليب إيمانويل باخ (1714-1788 ، ابن يوهان سيباستيان) ، يوهان غوتليب غراون (1702-1771) وجورج كريستوف واغنسيل (1715-1777) يطبقون مصطلح سيمفونية لقطعة أوركسترالية قائمة بذاتها ، مقسمة - عادة - إلى ثلاثة حركات متناقضة (استئناف النموذج القديم الذي قدمه الإيطاليون). لعبت مدرسة مانهايم للموسيقى دورًا مهمًا في تطوير هذا النوع الجديد من السمفونيات ، والتي تم تحديدها حول الملحن والقائد يوهان ستاميتز (1717-1757).

تم تنظيم أقدم سمفونيات الحفلات الموسيقية لأوركسترا الوتر ، مع القيثارة وغالبًا ما تكون الباسون كجزء من المجموعة المستمرة. على الرغم من أن القاعدة تحتوي على أربعة آلات (كمان ، فيولا وباس) ، إلا أن السمفونيات الثلاثية للكمان والباس شائعة جدًا في المراحل الأولى من السيمفونية. استمرت زراعة السمفونيات التي تشكلت دون مستوى 4 حتى نهاية القرن ، وخاصة من قبل الملحنين العاملين في مراكز أصغر في المقاطعة ، ولكن أيضًا في ظروف خاصة ، من قبل شخصيات معروفة مثل Carl P.E. باخ ، الذي كُتبت سمفونياته لأوركسترا الوتر من 1773 لجوتفريد فان سويتن. [1]

الأنواع الجديدة تنتشر في بقية أوروبا. تم زيادة عدد المكونات إلى أربعة ، من خلال تقديم يوهان ستاميتز قبل الحركة النهائية لمكونات أخرى ، في إيقاع مينويت. [يتطلب الاقتباس] الملحنون السيمفونيون هم ماتياس جورج مون (1717-1750) ، وينزل رايموند بيرك (1718-1763 ، فيينا) ، ليوبولد موزارت (1719-1787 ، سالزبورغ) ، فرانسوا جوزيف جوسيك (1734-1829 ، باريس).). في إنجلترا ، أصبح النوع السمفوني معروفًا من خلال أعمال الملحنين الألمان يوهان كريستيان باخ (1735-1782) وكارل فريدريش أبيل (1723-1787) ، ومقرهما لندن. [يتطلب الاقتباس] في إيطاليا ، برز جيوفاني باتيستا سامارتيني (1701-1775) وأندريا لوتشيزي (1741-1801) وأنطونيو بريوتشي (1725-1750).

تطورت السيمفونية الكلاسيكية في فيينا في العقود الأخيرة من القرن الثامن عشر وترتبط بشكل أساسي بأسماء الملحنين جوزيف هايدن وولفغانغ أماديوس موزارت ولودفيغ فان بيتهوفن.

مساهمة أهم الملحنين في فترة التعديل

جوزيف هايدن تحرير

يقدم هايدن مناخًا عاطفيًا قويًا من خلال انتمائه إلى ما يسمى بالحركة الفنية في ذلك الوقت Sturm und Drang تحدد سمفونياته إحداثيات التنسيق الكلاسيكي للأنواع. كتب 104 من هذه المقطوعات الموسيقية ، يُعرف الكثير منها اليوم بالعناوين ذات التلميح البرمجي ، والتي تنتمي في الواقع إلى وقت أكثر حداثة. طور هايدن نموذجًا لهيكل السيمفونية ، القانون الذي تم إنشاؤه وبالتالي عد أربعة أجزاء. عادة ما تبدأ سمفونياته بـ a اليجرو في شكل سوناتا ، استمر في حركة بطيئة (أندانتي أو أداجيو) ، تليها دقيقة ونهاية (أخير) في وتيرة الإيقاع ، غالبًا في شكل روندو. تتويج إنشاء هايدن هو آخر اثنتي عشرة سمفونية ، [يتطلب الاقتباس] اتصل "سمفونيات لندن"، تم تأليفه بين عامي 1790 و 1795 لشركة لندن إمبريساريو سالومون.

مع ما يقرب من 40 عامًا من تأليف السمفونيات ، تفوق هايدن على معظم الملحنين في تلك الفترة بسبب خبرته. من الصعب تجميع الخلق السمفوني الضخم في فترات لأن أوجه التشابه بين السمفونيات الكرونولوجية المجاورة غالبًا ما تبدو أقل وضوحًا من اختلافاتهم وشخصياتهم. في شبابه ، عمل هايدن في مؤسسات صغيرة ، مع قوى أوركسترا متواضعة تحت تصرفه. وينعكس ذلك في سمفونياته المبكرة. خلال هذه الفترة وفي السنوات التي أعقبت تعيينه في بلاط استرهازي في عام 1761 ، ألف هايدن بطرق مختلفة الأساليب السمفونية. أكثر من أي وقت آخر ، بما في ذلك الأعمال ذات عناصر الحفل الوافرة ، والشرائع ، ونهايات الشرود. لا ينبغي النظر إلى هذه الأساليب المختلفة على أنها تجارب ولكن كاستجابات لمتطلبات التغيير التي ربما تضمنت التفسير في الكنيسة. في السنوات الأخيرة ، استجاب هايدن للتحديات الخاصة بحلول خيالية غير متوقعة ، كما هو الحال في الكوميديا ​​"Il distratto" (رقم 60 - 1774) التي تمت كتابة أجزائها الستة كملحق موسيقي لفيلم كوميدي ، أو في "Hornsignal" (لا. 31 - 1765) مثالًا رائعًا على المعالجة المنسقة التي يتضمن فيها مطالب قرن مختلفة. تظهر سيمفونيات هايدن المبكرة غلبة للدورة المكونة من ثلاثة أجزاء ، على الرغم من أنه أولى منذ البداية اهتمامًا بنهايات سيمفونياته أكثر من عروض الأوبرا النموذجية. خلال هذه الفترة ، بدأ هايدن في استخدام الخطة التي تحتوي على أربع حركات موجودة بالفعل في العديد من السيمفونيات النمساوية أكثر فأكثر: سريع - مينوت / ثلاثي - بطيء - سريع (السمفونيات رقم 32 و 37 ولاحقًا رقم 44 و 68 رقم 15 مع بنية بطيئة - سريعة - بطيئة بدلاً من أول حركة سريعة) بطيئة - سريعة - دقيقة / ثلاثية - سريعة (السمفونيات رقم 5 و 11 و 21 و 22 و 34 و 49 رقم 18 مع الهيكل بطيء - سريع - تمبو دي minuetto) والدورة القياسية النهائية ، سريعة - بطيئة - دقيقة / ثلاثية - سريعة (بدءًا من السيمفونيات رقم 3 - 6،7،8 - ثلاثية "Le matin" و "Le midi" و "Le soir" - و Nos. 14 و 20 و 33 و 36). إن الأعداد 6-7 هي من بين أولى السيمفونيات التي تتضمن بداية بطيئة ، ألا وهي كلمة "لا". 6 ("Le matin") أكثر من شروق الشمس "المختصر". ومع ذلك ، لم يستخدم هايدن هذا النموذج حتى سبعينيات القرن الثامن عشر وأصبح نموذجًا قياسيًا له فقط بعد عام 1785. في وقت لاحق في مهنة هايدن ، ظهرت العديد من التحسينات والابتكارات التي كانت مهمة للمؤلفين اللاحقين. يتضمن ذلك إدخال العناصر الموضوعية بين الإدخال البطيء والحركة السريعة والحركات السريعة اللاحقة (السمفونيات رقم 90 ، 98 ، 102-3) تطوير واستغلال مجموعة واسعة من الأشكال المختلفة في الحركات البطيئة ، بما في ذلك الاختلافات المتناوبة أو المزدوجة ( بدءًا من السيمفونيات رقم 53 و 63 و 70) والتوليفات الفعالة من الاختلافات التي تربط المينوت والثلاثي عن طريق الانتقال (السيمفونيات رقم 50 و 99 و 104) بالإضافة إلى الاستخدام الواسع النطاق للجزء الأخير في النموذج لسوناتا روندو (أشهر الأمثلة الموجودة في السيمفونيات رقم 88 و 94 و 99 و 101 و 102 و 103). تطلب منصب هايدن في بلاط الأمير إسترهازي إنتاجًا مستمرًا لتنفيذها على الفور ، مما وفر فرصة فريدة للتكوين وكذلك للنقد الذاتي. وهكذا ، بالاستفادة من مثل هذا الإطار الغزير الإنتاج ، يبدأ هايدن في التوسع الداخلي ، وزيادة أفكاره الموضوعية ، وتطوير وسائل جديدة للتنمية ، وتنفيذ تعديلات أكثر بعدًا. يُظهر العدد الملحوظ الناتج من السيمفونيات المصقولة العديد من الإجراءات المميزة ، بما في ذلك إنشاء معرض يبدأ من فكرة موضوعية واحدة ، مع تباين غالبًا ما يتم تأجيله للقسم الأخير. جاء تتويج إنجازات هايدن كعازف سيمفوني في 1785-1795. أنجبت لجنة من باريس ست سيمفونيات جديدة (رقم 82 - 87) للحفل الموسيقي في "Loge Olympique" تليها سيمفونيات لا. 88 و 89 ("Tost" - 1787) ولا. 90-92 (من 1788).في هذه الأعمال ، يصل هايدن إلى آفاق جديدة من الإبداع والفكاهة وإمكانية الوصول. في وقت لاحق ، أسفرت الرحلات إلى لندن في 1791-1792 و 1794-1795 عن مجموعتين من ست سيمفونيات: لا. 93-98 و 99-104 ، اللتان تساويان مجموعات السمفونيات الأخرى في الصفات وتتفوقان عليها في نطاق المفهوم ، والنداء اللحن ، والتألق الأوركسترالي البارع. كان هايدن مبتكرًا في كل الاتجاهات. تحتوي كل سيمفونية تقريبًا على مجموعة متنوعة من الأفكار التي تتحدى التصنيف. هناك إجراءان متكرران ولكن دائم التغيير يقدمان القليل من التأمل في أساليبه. أولاً ، من خلال التعامل مع العبارة باعتبارها غاية في حد ذاتها أقل مما هي عليه في بعض المجموعات الأكثر تطورًا إيقاعيًا ، فإنها تولد تحكمًا إيقاعيًا واسعًا بشكل غير عادي. ثانياً ، من خلال توسيع عملية التطوير لتشمل المعرض والنصف. [1]

من بين ابتكارات هايدن في هيكل السمفونية:

  • مقدمة درامية قصيرة بوتيرة بطيئة يفتح بها الجزء الأول ، ثم يستمر بحركة حية
  • الجزء الثاني ، بطيء ، منظم في شكل موضوع مع اختلافات
  • يحتوي المينوت (الجزء الثالث) على اثنين من الثلاثيات ، يقترح المتر الثلاثي (بثلاث ضربات) شخصية الرقصة التي تأتي منها ، بنفس الاسم
  • النهاية لها إيقاع سريع وشكل روندو متماثل ، خالٍ من مخالفات الباروك روندو. [يتطلب الاقتباس]

ولفغانغ أماديوس موزارت تحرير

السيمفونيات الـ 41 لـ W.A. موتسارت هو أعلى مستوى من نوعه تم الوصول إليه في النصف الثاني من القرن الثامن عشر. [يتطلب الاقتباس] في البداية متحمسًا لأسلوب يوهان كريستيان باخ (ابن يوهان سيباستيان ، استقر في لندن) ، تولى موزارت لاحقًا إدارة البناء السمفوني الذي طوره ج. هايدن. تفضل مساهماته اللحن (تم تطويره فوق مؤامرة توافقية أساسية مقارنة بالإبداعات السابقة ، يتم وصف لحن موزارت بشكل ممتاز من حيث الإبداع والخيال) [يتطلب الاقتباس] والتنسيق. أشهر سيمفونياته هي: "Parisian" KV 297 (1778) ، و "Haffner" KV 385 (1782) ، و "Linz" KV 425 (1783) ، بالإضافة إلى الأربعة الأخيرة ، و "Prague" KV 504 (1786) ، و Symphony في Mi ♭ < displaystyle flat> major ، لا. 39 KV 543 ، سيمفوني في G الصغرى ، لا. 40 KV 550 و "كوكب المشتري" السمفونية ، لا. 41 ك.ف 551 (كلها عام 1788).

بدأ موتسارت كتابة السمفونيات عام 1764 في إنجلترا وهو في الثامنة من عمره فقط. نظرًا لبداياتها المبكرة ، يمتد تكوين السمفونيات لموتسارت إلى 25 عامًا. بسبب الاتصال الودي الذي أجراه في إنجلترا مع جي سي. باخ وهابيل ، يقترب موتسارت من الأسلوب التركيبي "الإيطالي" ، بحركات إيقاعية رشيقة أضافت خلفيته النمساوية الألمانية عمقًا متناسقًا ، وصياغة دقيقة وبراعة أوركسترالية. تواجه سيمفونيات موتسارت المبكرة العديد من مشاكل الأصالة والتسلسل الزمني. تتكون الأعمال المبكرة التي كُتبت في لندن وهولندا بين 1764-1766 من ثلاثة أجزاء ، وكان الأخير في 3/8. كل جزء أول في شكل ثنائي من السوناتا ، حيث يتكرر النصف الثاني فقط من العرض. الهدايا التي منحها موتسارت ، وخاصة إحساسه بالألوان والتوازن ، أسست عددًا من الاختلافات المحددة بين سمفونياته وسمفونيات هايدن. أنتجت حساسيته للون مزيدًا من الالتزام بآلات النفخ ولكن أيضًا أسلوبًا تركيبيًا غنيًا بالتعبيرات. يظهر هذا الاهتمام باللون أيضًا في أقسام التطوير. أدى استخدام التعديل ، غالبًا بدون تعديلات موضوعية كبيرة ، إلى جعل بعض النقاد يعتبرون تطورات موزارت أقل جوهرية و "جدية" من تطورات هايدن. وتجدر الإشارة إلى سمتين أخيرتين لأسلوب موزارتي السمفوني الناضج. أولاً ، بعض جوانب سيطرته الإيقاعية ، على الرغم من أنها أقل وضوحًا بكثير من قيادات هايدن التحفيزية ، والتي تساهم بشكل كبير في منطق الحركة. والنقطة الثانية التي يتم التغاضي عنها بشكل عام تشير إلى كيفية تطوير موتسارت لنهايات الأجزاء ، بما في ذلك الصفاء والتألق. [1]

تحرير لودفيج فان بيتهوفن

من خلال إل فان بيتهوفن ، تكتسب السيمفونية أبعادًا جديدة في المحتوى والشكل ، والتي من شأنها أن تفاجئ الجمهور. قام بتأليف تسع سيمفونيات ، بعضها يحتوي على محتوى برمجي يتميز بمفاهيم أخلاقية ومثالية عالية. [يتطلب الاقتباس] سيمفونية بيتهوفن ، مثل كل إبداعاته ، توجه الاهتمام بالأغنية التي أثارها إبداع و. موتسارت نحو التناغم (الوتر) ، تعدد الأصوات والشكل - باختصار ، البناء الموسيقي بدلاً من ذلك ، لحنه هو "فقير" (ليفيو دانشينو). [2] وتذهب المقارنة بين المؤلفين إلى أبعد من ذلك ، حيث تناقش تصنيف "الملحنين" وأحد "الملحنين" - يعتمد الأول على التأثير الناتج عن الأغاني ذات الشخصية الكثيرة ، بينما يتميز الثاني بالتطور موضوعات موسيقية تافهة (عندما يتم إخراجها من سياقها). يُعتبر بيتهوفن في وقته "الملحن" الأكثر إبداعًا ، وشهادات فنه هي التطورات التي حدثت في الجزء الأول من السيمفونية الخامسة والجزء الثاني من السيمفونية السابعة ، المبنية على موضوع خالي تقريبًا من اللحن (نهاية تستأنف الحركة موضوعها بطريقة مجزأة ، "عبور" عدة أجزاء مؤداة من الأوركسترا أثناء النطق ، في إجراء مشابه لـ Klangfarbenmelodie ، تم فرضه في القرن العشرين).

اشتهرت اللغة الموسيقية التي تبناها بيتهوفن في سمفونياته في ذلك الوقت بقابليتها للتنقل وعدم القدرة على التنبؤ. يتم تضخيم بنية الجزء الأول ، حيث يحتوي على تطور أكثر اتساقًا ، وجزءًا متمايزًا من المعرض ، بينما يصبح الرمز قسمًا قائمًا بذاته يحتوي على خاتمة الخطاب الموسيقي. يوسع بيتهوفن جهاز الأوركسترا ، خاصة في اتجاه آلات النفخ ، والتي بالإضافة إلى ذلك تشترك في الوضع "اللحني" مع عائلة الأوتار.

السيمفونية الثالثة "البطولية" (1803) والتي تمثل "بداية عصور الإبداع العظيم" (رومان رولاند) ، [يتطلب الاقتباس] يقترح أول حركة درامية بطيئة ، في شكل مسيرة جنازة في الجزء الثالث ، يتم استبدال المينوت بـ scherzo ("نكتة") ، بشكل أسرع ، لأول مرة. [يتطلب الاقتباس] سيمفونيات أخرى يُشار إليها بشكل متكرر: Symphony V in C Minor ("of Destiny" ، 1808) ، Symphony VI in F major ("Pastoral" ، 1808) - تُظهر عناصر البرمجة وتقدم جزءًا خامسًا ، ولكن تجربة غير ذات صلة في إبداعات النوع التالي ، Symphony VII in A major ("تأليه الرقص" ، 1811) و Symphony IX in D Minor (1824) - تقدم نهاية الأخير عازفين منفردين صوتيين وجوقة ("نشيد الفرح") على كلمات JC فريدريش فون شيلر.

هيكل تعديل السمفونية الكلاسيكية

تتكون السمفونية الكلاسيكية بشكل عام من أربعة أجزاء:

  • الجزء الأول في الإيقاع السريع (على سبيل المثال اليجرو) ، منظم على شكل سوناتة نقطية وتوزيعها وفقًا لمخطط "نصف تطوير المعرض". تسبقه أحيانًا مقدمة قصيرة بطيئة.
  • الحركة الثانية بطيئة (أندانتي, أداجيو الخ) ويسمح بمزيد من الأساليب الرسمية تستخدم في الغالب في شكل رومانسي كمية، موضوع مع الاختلافات وروندو. دبليو. يقدم موزارت أيضًا نموذج السوناتا في هذا الجزء (على سبيل المثال في Symphony KV 551). [يتطلب الاقتباس]
  • عادة ما تكون الحركة الثالثة ، بإيقاع دقيق (ومن هنا جاءت تسميته - النبض المعتدل) ، هي أقصر جزء من السيمفونية. بدءًا من Ludwig van Beethoven ، تم استبدال المينوت بـ نكتة، بوتيرة أسرع وراقصة.
  • النهاية لها إيقاع سريع (اليجرو, حية, هكذا إلخ) وغالبًا ما يتم بناؤه كروندو ، ولكن أيضًا في شكل سوناتا أو كموضوع مع اختلافات.

تتم كتابة الجزأين الأول والأخير دائمًا بنفس المفتاح ، والذي يدخل اسمه في عنوان السيمفونية نفسها ، بينما الأجزاء المركزية لها مفتاح متغير: إذا كان المفتاح الأساسي هو أقلية، غالبًا ما يكون التصوير البطيء أغلبية، بينما إذا كانت السمفونية مكونة من مفتاح أغلبية، الأجزاء المركزية تسيطر على النغمة مسيطر أو مهيمن. خاصة في الرومانسية ، هناك المزيد والمزيد من الاستثناءات لهذا المخطط ، ومع ذلك ، فإنه يظل مصطلحًا مرجعيًا على نطاق واسع حتى منتصف القرن العشرين ، كما يتضح من السمفونيات التي كتبها جوستاف مالر ، سيرجي بروكوفييف أو ديميتري شوستاكوفيتش.

بدايات السيمفونية الرومانسية

تتمتع سيمفونية القرن التاسع عشر بتماسك ملحوظ في النوع ، من سمفونيات بيتهوفن المبكرة إلى الفترة الوسطى من سيمفونيات ماهلر. تعتمد هوية النوع إلى حد كبير على المعايير الخارجية للهيكل والحجم: حدد الملحنون السيمفونية كعمل أوركسترا لأوركسترا ذات أبعاد متوسطة أو كبيرة ، تتكون عادة من ثلاثة أو أربعة أو خمسة أجزاء (عادة أربعة). في الجزء الأول ، عادةً ما يتم استخدام نموذج السوناتا ، مسبوقًا بمقدمة بطيئة في الجزء الثاني ، غالبًا ما يكون لدينا لحظة غنائية بطيئة ، عادة في شكل سوناتا أو نوع ABA ، أو موضوع مع اختلافات ، وعادة ما يكون الجزء الثالث رقصة - نكتة والجزء الرابع خاتمة سريعة. يتم تغيير ترتيب الجزأين الأوسطين في بعض الأحيان ، وكانت هناك بالطبع استثناءات أخرى لهذا النموذج القياسي ، لكنها تظل استثناءات. [1] من خلال هذه المعايير الخارجية ، يمكن تعريف السيمفونية على أنها "أوركسترا سوناتا" ، حتى لو كانت الاختلافات بين هذين النوعين معقدة في الواقع. قرب نهاية القرن الثامن عشر وبداية القرن التاسع عشر ، شددت التعليقات النقدية على السيمفونية مرارًا وتكرارًا على الصفات المميزة: نسيج متعدد الألحان أساسًا وفرق بسيط "عام". لطالما تم تقدير السيمفونية لقدرتها الفريدة على توحيد مثل هذا النطاق الواسع من الآلات بطريقة لا يسود فيها صوت ، وكلها تساهم في الكل. [1]

نظرًا للهيبة الجمالية للسمفونية ، وبسبب المتطلبات التركيبية الفنية البحتة ، كان هذا النوع معروفًا عالميًا ، في بداية القرن التاسع عشر ، كمعيار للمهارة التركيبية. كان هناك شعور على نطاق واسع بأن الملحن لا يمكنه (أو على الأقل لا ينبغي له) تأليف عمل من هذا النوع دون إتقان الأنواع الأصغر. كان يُنظر إلى السمفونية على أنها وسيلة للشهرة وليست دخلاً مالياً ، لأنه على الرغم من مكانتها كنوع ، إلا أنها ظلت غير مربحة اقتصاديًا لكل من الملحنين والناشرين. كان من الصعب تأليف السيمفونيات ، مما يتطلب براعة ودعم مالي للنشر. [1]

كانت السمفونيات ، جنبًا إلى جنب مع الخطابات ، المرجع الرئيسي للعديد من المهرجانات الموسيقية التي ظهرت في ألمانيا في النصف الأول من القرن التاسع عشر. ساعد ظهور ذخيرة جديدة تركزت على آخر سيمفونيات هايدن وموتسارت والسيمفونية التاسعة لبيتهوفن ، على توسيع الأوركسترا السيمفونية. في الوقت نفسه ، جعلت نفس المرجع المتعارف عليه من قبول الأعمال الجديدة أكثر صعوبة. [1]

سمفونية بيتهوفن

ظهرت أول سيمفونية لبيتهوفن على الساحة الموسيقية في عام 1801 ، عندما بدأت الموسيقى الآلية بشكل عام ، وخاصة السمفونية ، تتمتع بزيادة غير مسبوقة في المكانة الجمالية. في السنوات العشر الأخيرة من القرن الثامن عشر ، تم تأسيس السيمفونية كواحدة من أكثر الأنواع الموسيقية المرموقة ، ولكن نظرًا لعدم وجود موضوع محسوس للتمثيل ، فقد كان يُنظر إليها على أنها وسيلة للترفيه وليست وسيلة لنقل الأفكار الاجتماعية والأخلاقية . أو فكري. في "نقد كلية الحكم" (1790) ، كرر كانط المفهوم العام للوقت في رفض الفكرة القائلة بأن موسيقى الآلات ستدل على "متعة أكثر من الثقافة" على أساس أنها لا يمكن أن تتضمن المفاهيم وبالتالي يجب الحكم عليها بالاعتماد على المتعة المستمدة من شكلها البسيط. وفقًا لكانط ، فإن أي محتوى مرتبط بالتفكير في ذهن المستمع كان عرضيًا تمامًا. كانت الأعمال الآلية التي حاولت "تمثيل" حدثًا أو كائنًا معينًا محتقرة واعتبرت ساذجة وأقل شأناً من الناحية الجمالية.

بدءًا من Symphony III ، Heroic ، استكشف بيتهوفن مجموعة متنوعة من الطرق التي يمكن من خلالها لموسيقى الآلات أن تستحضر الصور والأفكار التي تتجاوز عالم الصوت. كان تدوين "الفكرة الشعرية" ثابتًا مركزيًا في استقبال موسيقى الآلات الموسيقية لبيتهوفن ، وأفضل مثال موجود في السيمفونية الخامسة.

من منظور أكثر تقنية ، تستكشف سيمفونيات بيتهوفن مجموعة واسعة من الأساليب التركيبية. في الواقع ، فإن ابتكارات بيتهوفن من وجهة نظر رسمية غير عادية ، سواء على مستوى الجزء نفسه أو على مستوى الأجزاء كدورة. يعد تكامل الجوقة في نهاية السيمفونية التاسعة أحد أكثر الطرق وضوحًا التي يمكننا من خلالها ملاحظة استكشاف أساليب جديدة من هذا النوع. السيمفونية الثالثة ، مع استحضارها للمثل الأخلاقية والسياسية ولكن أيضًا الموت (مسيرة الجنازة) ، وسعت بشكل كبير الحدود السابقة للسمفونية "القياسية" وفتحت صراحة النوع في المجال الاجتماعي. تتناول السيمفونية السادسة ، الرعوية ، علاقة الإنسان بالطبيعة وتستكشف الإمكانات الهائلة للموسيقى الآلية بطريقة تختلف من غامضة إلى محددة. تتجنب السيمفونية السابعة المواقف المبرمجة ولكنها تستكشف أصوات الأوركسترا والإيقاعات بكثافة غير مسبوقة. كانت السيمفونية التاسعة لبيتهوفن هي التي أعادت تعريف هذا النوع. بعد هذه الأعمال ، لم تعد السيمفونية تعتبر مجرد مسألة ترفيه بل وسيلة للأفكار الأخلاقية والفلسفية وحتى الاجتماعية. ومن خلال إدخال النص والصوت إلى ما كان نوعًا تقليديًا من الآلات الموسيقية ، أثار بيتهوفن ضمنيًا التساؤل حول التفوق الجمالي لموسيقى الآلات. بهذا المعنى ، كانت السيمفونية التاسعة لبيتهوفن حافزًا لما يمكن تسميته "أزمة" حول طبيعة هذا النوع. في ثلاثينيات القرن التاسع عشر ، كان نقاش حاد حول مستقبل الموسيقى على قدم وساق ، وكانت السيمفونية ، باعتبارها الأكثر طموحًا من بين جميع الأنواع الموسيقية ، في قلب هذا النقاش. أشار شومان في مراجعته الشهيرة لسيمفونية بيرليوز الرائعة في عام 1835 إلى أنه بعد السيمفونية التاسعة لبيتهوفن ، تم استنفاد أبعاد وأهداف السيمفونية. بعد تلخيص العديد من هذه الأعمال ، أعلن شومان أن مندلسون هو الفائز بـ "التاج والصولجان على جميع الملحنين الآخرين في ذلك الوقت" ، لكنه أشار إلى أنه توصل إلى نتيجة واحدة: لم يتبق شيء يكسبه. استمر العديد من الملحنين في كتابة السمفونيات بين عامي 1820 و 1830 ، ولكن كان هناك شعور متزايد حتى في ذلك الوقت بأن هذه الأعمال كانت من الناحية الجمالية أدنى بكثير من سيمفونية بيتهوفن الأخيرة.

كان إرث بيتهوفن ، بالطبع ، أحد العوامل التي أثرت على الأداء السمفوني في الفترة من 1820 إلى 1830 ، وسيكون من التبسيط أن نعزو أي تغيير في النوع إلى هذا العامل الفردي. من الواضح أن السيمفونية ظلت تمثل تحديًا للمؤلفين الآخرين. لم يكن السؤال الحقيقي هو ما إذا كان من الممكن تأليف سيمفونيات أخرى ولكن ما إذا كان من الممكن لهذا النوع أن يتطور كما حدث في الخمسين عامًا الماضية بأيدي هايدن وموزارت وبيتهوفن في هذا الصدد ، كان هناك العديد من الآراء المتشككة ، ولكن عمليا لا يوجد تفاؤل حقيقي.

كان بيرليوز هو الملحن الوحيد القادر على التعامل مع إرث بيتهوفن في ثلاثينيات القرن التاسع عشر. تم الاعتراف به خلال حياته ، وخاصة في ألمانيا ، باعتباره الوريث الحقيقي لسمفونية بيتهوفن.في كل من سيمفونيات الحفلات الموسيقية الثلاثة ، يعالج Berlioz التحديات العامة التي وضعها بيتهوفن. السيمفونية الرائعة لعام 1830 ، التي اكتسبت شهرة كبيرة بسبب ترتيب ليزت للبيانو ، هي صورة معكوسة تقريبًا لسمفونية بيتهوفن التاسعة. كان تألق وأصالة تنظيم بيرليوز ، والنهج "الكوني" لهذا النوع وقدرته على مزج الموسيقى والسرد بمثابة إلهام للمؤلفين التاليين ، لتوسيع روح بيتهوفن وأصالته ضمن النوع السمفوني ، دون تقليده مباشرة. ترتبط سمفونيات ليزت وماهلر ارتباطًا وثيقًا بإرث بيرليوز. [1]

الجيل الذي أعقب إل فان بيتهوفن لم يستمر بشكل مباشر في التعقيد الرسمي والكثافة التعبيرية لموسيقاه. في السمفونيات التسع لفرانز شوبرت ، مع هيكل أكثر خطية وشخصية غنائية مثيرة للشفقة ، [يتطلب الاقتباس] هناك تأكيد على التكرار المتنوع للتفاصيل اللحنية أكثر من التركيز على التطوير الموضوعي. أشهرها هي السمفونية الثامنة في فئة B الثانوية - تسمى "غير مكتملة" (1822) للبنية غير العادية لحركتين فقط (تخلى شوبرت نفسه عن كتابة الثلث ، ووجد التوازن الرسمي اللازم للعمل معبرًا عنه جيدًا في جزأين فقط ومع ذلك ، اقترح عدد من الملحنين "الإكمالات" الخاصة بهم من السيمفونية ، لكن لم يتم فرض أي منها.) - والسيمفونية التاسعة في C Major (1828).

تتميز سمفونيات فيليكس مندلسون بارتولدي وروبرت شومان بثراء التكوين التوافقي والمحتوى الشعري ، النموذجي للرومانسية ، وغالبًا ما تكون مستوحاة من التدين البروتستانتي. [يتطلب الاقتباس] أشهر سيمفونيات مندلسون ، السيمفونية "الاسكتلندية" الثالثة (1832) ، السيمفونية الرابعة "الإيطالية" (1833) و "الإصلاح" الخامس (1842) ، تحتوي على عناصر برمجية ، ولكن لا يتم تمثيل ذلك بواسطة الترجمات. ( التي لا تنتمي إلى الملحن). سمفونيات روبرت شومان ، بما في ذلك "الربيع" للسمفونية الأولى (1841) و "الراين" لسيمفوني الثالث (1850) ، تخلو رسميًا ، في الغالب ، من الكثافة الهيكلية ، مع مزيد من التركيز على البناء اللحني. [يتطلب الاقتباس]

خارج ألمانيا ، يشتمل تطور السيمفونية على عناصر هجينة ، كما هو موضح في فرنسا من قبل هيكتور بيرليوز في "Fantastic Symphony" (1830) ، وهو أحد الأعمال الأولى للموسيقى الآلية ، والذي تم تغيير هيكله (ترتيب وعدد الحركات) مقارنة إلى الشرائع الكلاسيكية لتقديم أفضل تمثيل "للذات" المختارة (والتي ، مع ذلك ، ليس لها أي تجسيد آخر غير اقتراح السرد من خلال التلميحات الموسيقية). يعد كل من التنسيق وتعدد الأصوات في مؤلفات بيرليوز أصليًا للغاية وسيؤثران بقوة على الملحنين الفرنسيين الذين سيتبعونه.

تغيير الفترة الرومانسية المتأخرة

يوهانس برامز وأنتون بروكنر لهما الفضل في تعزيز لغتهما السمفونية ومنحها قوة معمارية قوية. تدعي سيمفونيات برامز الأربعة التزامًا أخلاقيًا دائمًا بالتكوين الرومانسي ، مع تقشف خاص للغة ونقاء الشكل ، مقارنةً بكون واغنري المتناسق المعقد والكثيف.

يتناسب أنطون بروكنر مع الصرامة المعمارية لبرامز ، لكنه يستخدم لغة متناسقة يشعر فيها بتأثير ريتشارد فاجنر. يتضخم حجم سمفونيات بروكنر في طول وتعقيد التنسيق. غالبًا ما تكون الموضوعات الرئيسية في الحركات الأولى لسيمفونياته ثلاثة في العدد ، وبشكل عام يتم إثراء كل حركة بأفكار لحنية ثانوية أخرى. غالبًا ما تتدخل مجموعة المنافيخ النحاسية ، وتقطع الزخم الديناميكي ، أداجيوغالبًا ما يتم تشكيل ul زأر، والنهاية مبنية ، مثل الحركة الأولى ، على شكل سوناتا وتستخدم موضوعات ظهرت بالفعل في الحركات السابقة.

يحتل غوستاف مالر مكانة خاصة ، حيث يضخّم الجهاز الرسمي والفعال لسيمفونيات بروكنر. يظهر العازفون المنفردون والجوقات الصوتية في العديد من سيمفونياته: تحتوي السيمفونية الثانية على نهاية تمثل نشيدًا ضخمًا لـ القيامة، في الجزء الثالث ، في ستة أجزاء ، يتدخل عازف منفرد رنان وجوقة نسائية ، في الثامن يتم غناء الموضوع الديني "تعال يا خالق الروح"، 9 ينتهي بـ أداجيو التي تستمر نصف ساعة ، والعاشر - المتبقي غير المكتمل - يحتوي على واحدة فقط أداجيو التي يتم التعرف فيها بالفعل على العناصر atonal.

من الملحنين السيمفونيين في النصف الثاني من القرن التاسع عشر: Piotr Ilyich Tchaikovsky و Alecsandr Borodin (روسيا) ، وكاميل سان ساين ، وجورج بيزيه وسيزار فرانك (فرنسا) ، والملحنان التشيكي بيدتش سميتانا وأنتونين دفوراك (السيمفونية التاسعة "من الجديد العالم ") ، جان سيبيليوس ، ملحن فنلندي.

في بداية القرن العشرين ، كان هناك اتجاه في جميع مجالات الفن للتخلي عن الأشكال التقليدية ، والبحث عن إمكانيات جديدة للتعبير الفني. في مجال السمفونية ، يتم مواجهة تيارات فنية مختلفة (على سبيل المثال: التعبيرية ، الكلاسيكية الجديدة) والإجراءات التركيبية (على سبيل المثال: تقنية dodecaphonic). في حين أن العديد من الملحنين ، مثل تشارلز آيفز ، وجورج إينيسكو ، وكارل نيلسن ، ورالف فوغان ويليامز ، وسيرجي بروكوفييف ، ودميتري شوستاكوفيتش لا يزالون مرتبطين ارتباطًا وثيقًا بالشكل التقليدي ، في سمفونيات ألبرت روسيل أو آرثر هونيجر ، هناك زخارف انطباعية ، يلجأ البعض إلى أشكال أقراص ، مثل Max Reger ، و Darius Milhaud ، و Paul Hindemith ، و Anton Webern ، وآخرون يتبنون الأسلوب الخطي متعدد الألحان ، مثل Arnold Schönberg ، و Karl Amadeus Hartmann.

بعد عام 1950 ، كان هناك انخفاض في الاهتمام بتأليف السمفونيات. ومع ذلك ، قام عدد من الملحنين أيضًا بمحاولات مثمرة في هذا النوع:

الملحنون السيمفونيون الرومانيون

  • باسكال بينتويو (8 سيمفونيات)
  • نيكولاي برانزيو (3 سيمفونيات ، وسيمفونية موسيقية)
  • ميهاي بريديسينو (سمفونية واحدة)
  • سيرجيو سيليبيداتش (4 سيمفونيات)
  • بول كونستانتينيسكو (Ploiești Symphony)
  • ديميتري كوكلين (20 سيمفونية)
  • جورج إنيسكو (5 سيمفونيات ، السيمفونيات الأخيرين نظمهما باسكال بينتويو ، وسيمفونية الغرفة)
  • Dinu Lipatti (سيمفونية واحدة لآلتي بيانو وأوركسترا وترية)
  • ستيفان نيكوليسكو (5 سيمفونيات)
  • تيبيريوس أولاه (سيمفونية واحدة)

تتكون الأوركسترا ، كما هي موجودة في نهاية الانتقال إلى الكلاسيكية ، من الآلات الوترية والمنحنية (الكمان ، الكمان ، التشيلو ، ربما الباص المزدوج أو ما يعادله) ، آلات النفخ الخشبية (الفلوت ، المزمار ، الباسون) ، الأبواق والتيمباني. منذ السيمفونيات الأخيرة لجيه هايدن ، تتطلب الأوركسترا الأبواق والكلارينيت (التي لم يتم استخدامها في عدد كبير من السمفونيات من قبل دبليو أيه موزارت). [يتطلب الاقتباس] تحت تأثير الأوبرا ، تمت إضافة القرن الإنجليزي ، والهروباسون ، والمنافخ النحاسية ذات النطاق الأكثر طموحًا من القرن الفرنسي (الترومبون ، والتوبا) والقيثارة لاحقًا. يضاف إلى هؤلاء الصوت البشري ، كما تم تسجيله لأول مرة في السيمفونية التاسعة بواسطة L. van Beethoven. للمقارنة ، اتبع أجهزة بعض السمفونيات ودورات السمفونيات:

  • سيمفونيات J.Haydn الأخيرة (1790-1795): أوتار ، 1 فلوت ، 2 مزمار ، 2 باسون ، 2 قرن ، 2 أبواق و Timpani
  • السيمفونية السابعة من تأليف إل فان بيتهوفن (1812): آلات وترية ، 2 مزمار ، 2 مزمار ، 2 كلارينيت ، 2 باسون ، 2 قرن ، 2 أبواق و تيمباني
  • السيمفونية الأولى لجيه برامز (1876): الآلات الوترية ، 2 المزامير ، 2 المزمار ، 2 كلارينيت ، 2 الباسون ، 1 كونتراباسون ، 4 أبواق ، 2 أبواق ، 3 ترومبون و تيمباني
  • السيمفونية السادسة لجي ماهلر (1906): الآلات الوترية ، 4 المزامير ، 4 المزمار ، 3 كلارينيت ، 1 كلارينيت في E ♭ ، 1 باس كلارينيت ، 3 الباسون ، 1 كونتراباسون ، 8 أبواق ، 4 أبواق ، 3 ترومبون ، 1 طوبا ، تيمباني ، قيثارة ، سماوية ، إكسيليفون ، إيقاعات أخرى.

بالإضافة إلى تنوع الجرس ، زاد عدد عناصر الأوركسترا السيمفونية بشكل كبير في العصر الرومانسي ، من بضع عشرات في سمفونيات هايدن وموتسارت إلى أكثر من مائة عنصر في آخر سيمفونيات لبيتهوفن ، إلى فرق الأوركسترا الكبيرة المقدمة. لإبداعات أواخر الفترة الرومانسية.


سمفونية الألوان - وصفات

ما هي الطريقة الأنسب للاحتفال بألوان الخريف ، إن لم يكن من خلال الموسيقى؟ بارك ليك ، جنبًا إلى جنب مع راديو رومانيا الموسيقية ، ولكن أيضًا مع الأوركسترا والجوقات في راديو رومانيا ، تدعو سكان بوخارست يوم السبت 8 سبتمبر ، بدءًا من الساعة 19:00 ، للمشاركة في حفل موسيقي خاص. وستدعمها فرقة راديو تشامبر أوركسترا ، إلى جانب قائد الأوركسترا قسطنطين أدريان غريغور والعازفة المنفردة إيرينا ساربو. سيظهر الفنانون على المسرح المركب خصيصًا في ParkLake Garden وسيسعد المتفرجين بقطع شهيرة من الموسيقى الكلاسيكية وموسيقى الجاز.

سيجمع الحفل الموسيقي ، الذي قدمه مديرو راديو رومانيا موزيكال ، وأندريا تشيزيليف وليفيو بيتشو ، بين الأسلوبين الموسيقيين: الموسيقى الكلاسيكية والمعالجة بأسلوب موسيقى الجاز لبعض الأغاني الرومانية الشهيرة التي ستتداخل في برنامج متاح للجميع. من موتسارت إلى يوهان شتراوس-سون وديمتري شوستاكوفيتش ، سيتم تأدية الأعمال الموسيقية التي كنا نغنيها جميعًا ذات مرة بشغف من قبل الفنانين على خشبة المسرح.

,,من المهم تخصيص وقت للثقافة ، لأن الثقافة تلهمنا وتضفي لمسة من الألوان على حياتنا اليومية. نريد أن نوفر لأكبر عدد ممكن من الناس الفرصة لاكتشاف سحر الموسيقى الكلاسيكيةممثلو مركز سعيد بارك ليك للتسوق.

هذا الحدث هو الأول من نوعه ومن هذا الحجم الذي تشارك فيه أوركسترا سيمفونية ، يتم تنظيمها في مركز تجاري في بوخارست. لهذا الغرض ، سيقوم ParkLake Shopping Center بترتيب قاعة حفلات موسيقية حقيقية في الهواء الطلق ، مع مئات الكراسي ، ولكن أيضًا مع prosecco للمشاهدين. الدخول إلى الحفل مجاني.

أمسية مثالية ، قضاها سكان بوخارست على أوتار الموسيقى ، وسط الزخرفة الخضراء لحديقة بارك ليك.


جرب سيمفونية ألوان الخريف في ParkLake Garden - حفلة راديو تشامبر أوركسترا

في 8 سبتمبر ، نظم راديو رومانيا موزيكال وبارك ليك من بوخارست وراديو أوركسترا والجوقات حدثًا موسيقيًا ، وهو أول حفل موسيقي سيمفوني بهذا الحجم في مركز تجاري في بوخارست

عرض الحدث

في 8 سبتمبر ، نظم راديو رومانيا موزيكال وبارك ليك من بوخارست وراديو أوركسترا والجوقات حدثًا موسيقيًا ، وهو أول حفل موسيقي سيمفوني بهذا الحجم في مركز تجاري في بوخارست: راديو تشامبر أوركسترا ، قائد الأوركسترا كونستانتين أدريان غريغور ، عازف منفرد إيرينا الصربي.

تدعوكم ParkLake و Radio Romania Musical و Radio Romania Orchestras and Choirs إلى حفل موسيقي خاص: ستظهر أوركسترا Radio Chamber وقائد الفرقة الموسيقية Constantin Adrian Grigore و Irina Sârbu - عازف منفرد على المسرح الذي تم تركيبه خصيصًا في ParkLake Garden يوم السبت ، 8 سبتمبر ، بدءًا من 19.00 (شارع Liviu Rebreanu رقم 4 ، القطاع 3 ، بوخارست).

تتشابك الموسيقى الكلاسيكية والمعالجة بأسلوب موسيقى الجاز لبعض المقطوعات الرومانية الشهيرة في برنامج متاح للجميع - من موزارت إلى يوهان شتراوس سون وديمتري شوستاكوفيتش ، تلك الأعمال الموسيقية التي كنا نغنيها جميعًا أو اخترنا مرافقتنا يوميًا ، مثل نغمات رنين الهواتف المحمولة. سيكون منتجو راديو رومانيا الموسيقي الصباحي ، أندريا تشيزيليف وليفيو بيتشو ، هم مقدمو الحفل.

إنه أول حدث بهذا الحجم تشارك فيه أوركسترا سيمفونية ، في مركز تجاري في بوخارست ، تستعد بارك ليك لقاعة حفلات موسيقية حقيقية في الهواء الطلق ، مع مئات الكراسي والبروسكو للمتفرجين ، وهو حدث يهدف إلى إظهار أن الموسيقى الكلاسيكية هي للجميع ولكل شخص. يمكن أن تجعلنا جميعًا أفضل. الدخول العام مجاني.

،، من المهم تخصيص وقت للثقافة ، لأن الثقافة تلهمنا وتجلب لنا دفقة من الألوان في الحياة اليومية. نريد أن نقدم لأكبر عدد ممكن من الناس الفرصة لاكتشاف سحر الموسيقى الكلاسيكية "، قال ممثلو ParkLake Shopping Center.


حفلة لأوركسترا راديو الحجرة في المول! تحيا سمفونية ألوان الخريف!

ما هي الطريقة الأنسب للاحتفال بألوان الخريف ، إن لم يكن من خلال الموسيقى؟ ParkLake ، جنبًا إلى جنب مع Radio Romania Muzical ، ولكن أيضًا مع الأوركسترا والجوقات في راديو رومانيا ، تدعو سكان بوخارست يوم السبت ، 8 سبتمبر ، بدءًا من الساعة 19:00 للمشاركة في حفل موسيقي خاص. وستدعمها فرقة راديو تشامبر أوركسترا ، إلى جانب قائد الأوركسترا قسطنطين أدريان غريغور والعازفة المنفردة إيرينا ساربو. سيظهر الفنانون على المسرح المركب خصيصًا في ParkLake Garden وسيسعد المتفرجين بقطع شهيرة من الموسيقى الكلاسيكية وموسيقى الجاز.

سيجمع الحفل الموسيقي ، الذي قدمه مديرو راديو رومانيا موزيكال ، وأندريا تشيزيليف وليفيو بيتو ، بين الأسلوبين الموسيقيين: الموسيقى الكلاسيكية والمعالجة بأسلوب موسيقى الجاز لبعض الأغاني الرومانية الشهيرة التي ستتداخل في برنامج متاح للجميع. من موتسارت إلى يوهان شتراوس-سون وديمتري سوستاكوفيتشي ، سيتم أداء الأعمال الموسيقية التي كنا نشعر بها من قبل بشغف من قبل الفنانين على خشبة المسرح.

، من المهم تخصيص وقت للثقافة ، لأن الثقافة تلهمنا وتمنحنا لمسة من الألوان في الحياة اليومية. نريد أن نقدم الفرصة لأكبر عدد ممكن من الناس لاكتشاف سحر الموسيقى الكلاسيكية "، قال ممثلو ParkLake Shopping Center.

هذا الحدث هو الأول من نوعه ومن هذا الحجم الذي تشارك فيه أوركسترا سيمفونية ، يتم تنظيمها في مركز تجاري في بوخارست. لهذا الغرض ، سيقوم ParkLake Shopping Center بترتيب قاعة حفلات حقيقية في الهواء الطلق ، مع مئات الكراسي ، ولكن أيضًا مع prosecco للمشاهدين. الدخول إلى الحفل مجاني.

أمسية مثالية ، قضاها سكان بوخارست على أوتار الموسيقى ، وسط الزخرفة الخضراء لحديقة بارك ليك.

يمكن العثور على مزيد من التفاصيل حول أحداث ParkLake ، ولكن أيضًا البرنامج على www.parklake.ro وعلى صفحة ParkLake Shopping Center على Facebook.

راديو كاميرا أوركسترا

تم تأسيس Studio Orchestra ، رائد أوركسترا Radio Chamber الحالية ، في عام 1947.

في أكثر من 30 موسمًا ، جمعت هذه الفرقة نشاط تسجيلات خاصة للبث الإذاعي في الاستوديو ، مع وجودها على منصة الحفلة الموسيقية. من خلال مجموعة متنوعة من الذخيرة التي تم الاقتراب منها (الباروك ، والكلاسيكية ، وموسيقى القرن العشرين ، وما إلى ذلك) ومن خلال اختيار العازفين المنفردين على الآلات أو الصوت ، تطورت استوديو أوركسترا للإذاعة الرومانية نوعيًا ، حيث قدمت العديد من العناوين للعروض الموسيقية. بالطبع ، يعود الفضل أيضًا إلى الأساتذة في مكتب إجراء العمليات: كونستانتين سيلفستري ، ميندي رودان ، كونستانتين بوبيسكو ، كارول ليتفين ، لودوفيك باك.

منذ عام 1990 ، تم تحويل Studio Orchestra إلى Radio Chamber Orchestra.

مع موسم دائم من الحفلات الموسيقية والتسجيلات ، تعد هذه الفرقة حضورًا نشطًا وجذابًا في الحياة الموسيقية الرومانية. كانت الحفلات الموسيقية التي أقيمت في قاعة الإذاعة ، والسفر في البلاد أو القيام بجولة في الخارج ، أحداثًا موسيقية حقيقية. لم يكن نجاح مهرجانات Bach-250 و Haydn و Schubertiada و Mozart - 250 و Händel & Haydn والإصدارات الخمس لمهرجان الجيتار الدولي ومهرجان باندونيون الدولي والأكورديون ومهرجان الأورغن المسائي في قاعة الإذاعة. ممكن بدون المساهمة الخاصة لأوركسترا حجرة الراديو.

تكمل الأعمال المسجلة العديدة ، والعديد منها في الاختبار الأول المطلق ، وبعضها مثبت على أقراص مضغوطة ، صورة نشاط هذه المجموعة الموسيقية. يرتبط اسم راديو تشامبر أوركسترا بالإدراك الضخم للحفلات الموسيقية المتكاملة للبيانو وأوركسترا دبليو إيه. موتسارت ، في النسخة التفسيرية لعازفة البيانو دانا بورسان ، حدث ديسكوغرافي لأول مرة في تاريخ الموسيقى الرومانية.

ركزت الذخيرة المحددة للفرقة على الترويج للأعمال الأقل شهرة ، في الاختبار الروماني الأول ، كان العرض المتنوع والمثير للاهتمام أحد نقاط الجذب للجمهور المحب للموسيقى. يضاف إلى ذلك تمثيل غني للموسيقى الرومانية.

على مدار تاريخها الذي يزيد عن نصف قرن ، ساهم جميع قادة الفرق الموسيقية الرومانيين المهمين تقريبًا في شهرة الفرقة ، فضلاً عن الأساتذة الذين يشكلون جزءًا من نخبة الحياة الموسيقية العالمية: هوريا أندريسكو ، وإنريكي جارسيا أسينسيو ، وماركو بالديري ، وغابرييل بيبيسيليا ، جان بيير بيرلينجن ، فرانسوا كزافييه بيلجر ، روبرت بوكور ، أماوري دو كلوسيل ، يوسيف كونتا ، بيتر كسابا ، لورانس فوستر ، كريستوفر ويرن جرين ، ليونيد جرين ، تيتسوجي هونا ، آي أونيسكو جالاتي ، كريستيان مانديل ، كاميل مارينيسكو ، بول ميير ، ميلين ناتشيف ، توماس روسنر ، روبرتو سالفاليو ، ديجا سافيتش ، غيرد شالر ، تيبيريو سواري ، رالف سوشوفسكي ، نيل طومسون ، جيان لويجي زامبيري ، جين وانغ سا

لوحظ وجود بعض العازفين المنفردين الرومانيين المرموقين من البلاد والخارج: كريستينا أنجليسكو ، دانا بورسان ، دانا سيوكارلي ، فيوريكا كورتيز ، إليانا كوتروباس ، جورج كراسنارو ، روكساندرا دونوسي ، تيودورا جيورغيو ، فالنتين جورغيو ، دانيال جويتي ، دانيل جريجوري ، دان يورداتشيسكو ، سيلفيا ماركوفيتشي ، ميهايلا مارتن ، هوريا ميهايل ، يوجينيا مولدوفينو ، ماريانا نيكولسكو ، أدينا نيتسكو ، أوريليان أوكتاف بوبا ، ليفيو برونارو ، إيون إيفان رونسيا ، يوجين ساربو ، جورجيتا ستوليريو ، رازفان سومما ، إدوارد تورو Lory Wallfsch، Bogdan Zvoristeanu، sa

يجب ذكر أسماء الضيوف الأجانب المهمين: إيمانويل أبول ، دميتري أليكسييف ، يوسي أرنهايم ، كلودي أريماني ، بيير إيف أرتود ، بريجيت بالي ، إيغور بيزرودني ، غابرييل بيانكو ، دانيال بلومنثال ، فلاديمير بونين ، غريس بومبري ، مارك كوبي ، كوستاس كوتسيوليس ، كريستوفر زايا ساغر ، أنيلو ديسيديريو ، ريتشارد جاليانو ، لورينزو جاتو ، إلينا جارانيا ، ديفيد جريمال ، ريفكا جولاني ، ناتاليا جوتمان ، مونيك هاس ، باربرا هندريكس ، باتريشيا كوباتشينسكايا ، إليزابيث ليونسكاجا ، ميشا مايسكي ، كارلو مارليتسكايا ، أليكسيس موزوراكيس ، فاسو باباندونيو ، ميشيل بورتال ، سوزانا برييتو ، هيروكو ساكاغامي ، بيتر سواف ، بافل شتايدل ، غيرهارد ريتشنباخ ، كاتيا ريكسياريلي ، مايكل رول ، لورا فوكوبراتوفيتش ، أندرياس فون واجنهايم ، سونيا فيدير أثيرتون سا

يعتبر الترويج لقائدي الفرق الموسيقية والفنانين الرومانيين الشباب جزءًا من استراتيجية إدارة هذه الأوركسترا ، والتي بدورها تتكون أساسًا من موسيقيين شباب قيّمين.

جولات خارجية في روسيا وأوكرانيا والنمسا وإسبانيا وفرنسا وإيطاليا واليابان واليونان وقبرص وألمانيا وكوريا الجنوبية والتسجيلات والأفلام التلفزيونية والمشاركة في إصدارات مهرجان جورج إنيسكو الدولي ومهرجان أسبوع الموسيقى الدولي. من قبل الجمهور والصحافة المتخصصة.

ايرينا ساربو

اعتمادًا على الذخيرة التي تقترب منها ، تصمم إيرينا ساربو صوتها بجرس خاص يمكن التعرف عليه بسهولة ، وتقود خيالها الارتجالي في العديد من الاتجاهات ، كل منها مذهل بطريقته الخاصة. يهيمن الجاز ويترك بصماته على كل أغنية من "الطريق 66" إلى "C'est si bon" ، من "One note samba" إلى "Ciocirlia" و & quotHora staccato & quot ، من اللحن الواسع والمستمر بشكل مكثف للإبداع بين الحربين أغانٍ رومانية مثل "Zaraza" على إيقاع صوتي تنفجر بشكل غير متوقع ، ومشرقة وملونة مثل عرض الألعاب النارية في أحدث ألبوم للعازف المنفرد - "Seven Stairs" - مع ETHNOTIC Project. من خلال ما تفعله بموهبتها التي عملت بشكل جيد في سنوات عديدة من الدراسات المتخصصة ، تفرض إيرينا ساربو نفسها بقوة أمام الجمهور وتبقى ثابتة في الذاكرة بشكل دائم. نظرًا للأصالة وطريقة معالجة الأغاني التي أصبحت كلاسيكية أو غناءًا بطريقة أصلية وفريدة من نوعها من الآلات الموسيقية من الفولكلور الروماني ، يتم التعرف على قيمة المطرب بالإجماع. قام بالعزف داخل البلاد وخارجها - نيويورك وواشنطن وباريس وأثينا ومدريد وفيينا والبندقية وبروكسل وبراغ ولشبونة وستوكهولم والقدس وميلانو - في حفلات النوادي أو في مهرجانات الجاز الوطنية والدولية. فضوليًا ، في بحث دائم عن شيء جديد (على الرغم من أنه يحب موسيقى الجاز الكلاسيكية بشكل لا يمكن إصلاحه) ، تقدم إيرينا ساربو دائمًا للجمهور برامج ممتعة ومبتكرة.

قسطنطين أدريان جريجور

خلال دراسته في البلاد ، ثم في بولندا في أكاديمية "كارول ليبينسكي" للموسيقى ، استفاد المايسترو كونستانتين جريجور من توجيهات قادة الفرق الموسيقية المشهورين: هوريا أندريسكو ، بيترو أندريسي ، إيلاريون إيونسكو-جالاتي والقائد البولندي ماريك بيجاروفسكي.

أتقن كونستانتين جريجور فترة تدريب في Rundfunk Sinfonieorchester Berlin (2011) تحت إشراف المايسترو ماريك جانوفسكي ولاحقًا (2012) في Bayerische Rundfunk و Munchner Philharmoniker ، حيث شارك في البروفات والحفلات الموسيقية لماريس جانسونز ، برنارد هايتينك ، آلان جيلبرت ، Paavo Jarvi أو Lawrence Foster أو Vasily Petrenko ، بالتوازي مع المشاركة أيضًا في دورات علم الظواهر التي يدرسها كونراد فون أبيل.

قدم قسطنطين أدريان غريغور حفلات موسيقية على مكتب بعض الأوركسترات المهمة ، وكلاهما من البلد (أوركسترا جورج إنيسكو الفيلهارمونية السيمفونية ، وأوركسترا راديو تشامبر ، وأوركسترا الإذاعة الوطنية ، وأوركسترا الدولة الفيلهارمونية "مولدوفا" من ياسي ، و "إيون دوميتريسكو" أوركسترا - آر إم فالسيا ، " Paul Constantinescu "Philharmonic from Ploiesti ، State Philharmonic from Pitesti ، State Philharmonic from Sibiu ، State Philharmonic from Oradea ،" Nae Leonard "Theatre Orchestra from Galati ،" Oleg Danovski "Opera and Ballet Theatre Orchestra ، Orchestra National Opera Opera and Musical Theatre في بوخارست) وكذلك في الخارج (بولندا - أوركسترا الحجرة "R-20" من فروتسواف أو كيلسي فيلهارمونيك أو أوركسترا الغرفة الوطنية لجمهورية مولدوفا أو أوركسترا "سيرغي لانشيفيسي" من تشيسيناو).

وهو أيضًا أحد الأعضاء المؤسسين وقائد فرقة أوركسترا الغرفة "Camerata Regala" ، والتي قدّم معها العديد من الحفلات الموسيقية في رومانيا ، ولكن أيضًا في ألبانيا أو مولدوفا أو بولندا ، وفي يناير 2016 تمت دعوته من قبل المعهد الثقافي الروماني ، لإحياء حفل موسيقي في مكتب الغرفة الملكية ، في MozartSaal في Konzerthaus Vienna.

في عام 2017 ، تمت دعوته إلى مكتب Royal Philharmonic في لييج ، حيث قدم سلسلة من 7 حفلات موسيقية في لييج (قاعة فيلهارمونيك) وبروكسل (بوزار) وآث وأوتيني ونامور.

تعاون كونستانتين أدريان جريجور مع عازفين منفردين مشهورين في المشهد الموسيقي مثل فلورين كرويتورو ، وريبيكا هارتمان ، ونيكولاي ليكاريت ، ودانييل بودلوفشي ، وغابرييل كرويتورو ، وفلورين يونيسكو جالاتي ، وإليان غارنيت ، وأورا تواروفسكا ، وتيودور إلينكاي ، وكريستيان موغوسان ، وإرينا إيورداتشيم. كاريراس ، سورينا مونتينو ، يوليا ميركا ، كاتارزينا دوندالسكا ، ستيفان إغنات ، آنا ماريا دونوز ، كريستينا أنجليسكو ، إيوانا كريستينا جويسيا ، رالوكا واتو ، تينا مونتينو ، هوريا هابليا ، إنغمار أنتوني لازار ، كريستيان ساندرين ، إيواوريسانا إلوريس ناتاليا كونيك ، ويكتور كوسوبان ، بيوتر باناسيتش ، أليساندرو سافينا أو جوقة مادريجال الوطنية.

حصل كونستانتين غريغور على العديد من الجوائز والأوسمة - كرئيس للترويج لـ UNMB ، جائزة مؤسسة "Fratii Bucovineni" (2006) ، الجائزة الأولى في مسابقة الترجمة الفورية "Garabet Avachian" ، الدور قبل النهائي في مسابقة Direction "Jeunesses Musicales Bucharest "- إصدار 2010 ، بالإضافة إلى الدبلومات المختلفة التي تمنحها الحكومة الرومانية للتعاون والتنسيق في العديد من المشاريع الثقافية. لقد تعاون مع مؤسسات مرموقة مثل وزارة الثقافة والطوائف الرومانية ، Artexim أو ICR Warsaw.

حاليًا ، كونستانتين جريجور هو القائد الرئيسي لأوركسترا الغرفة الملكية.


الزمان والمكان في سمفونية الألوان @ Iași

نتشرف بشكل خاص بدعوتكم إلى افتتاح معرض الرسم "الزمان والمكان في سمفونية الألوان" الذي وقعه ميهاي كوتشوفانو ، والذي سيعقد يوم الاثنين ، 22 فبراير 2021 ، 1700 في غاليري ثيودور بالادي ، شارع لوبوينانو ، ياش.

قدمه الناقد الفني بيترو بيجان

ساعات الزيارة 10:00 & # 8211 18:00 ، 22 فبراير & # 8211 10 مارس 2021

في فن الرسم ، يجب أن يمر الفنان التشكيلي بمراحل عديدة ليصبح قائدًا مثاليًا ، وموهوبًا في الألوان على القماش. إن اكتساب البراعة في فن الرسم وتحويل اللوحة القماشية إلى سيمفونية من الألوان هي رحلة واسعة ومعقدة ، وعلم عميق ، وتدريب مستمر على التحليل والمراقبة. من أجل إدراك وتمييز الظلال الدقيقة للون ، يجب تشكيل العين بطريقة تجعلها أداة مثالية في التعامل مع الألوان على اللوحة والقماش ، للوصول إلى القدرة على نقل المشاعر من خلال اللون في الشكل المرسوم. يجب أن يصل الفنان إلى التجربة الداخلية ، حتى يشعر بالألوان تتدفق من الروح عبر الأوردة. تتحول الفرشاة إلى عصا توجه الألوان على اللوحة ، في تناغم الأصوات اللونية المنقولة ليس فقط في الفضاء وأثناء التحول ، ولكن أيضًا على مساحة اللوحة القماشية ، كشكل وتعبير عن العقل ، كنقاط سيمفونية من الألوان في العالم المرئي غير المرئي في التحول التعبيري للوجود الداخلي. يصبح الواقع المحيط بتنوعه مصدر إلهام في فن الرسم ، حيث يتعلم الفنان النظر لفهم الألغاز وراء ستار الواقع ، الألغاز التي تثيرنا وتضعنا أمام أسئلة كبيرة. أشير إلى أن التنظيم التركيبي للسطح البلاستيكي والحاجة إلى إنشاء لوحة ذات مركز اهتمام هو انعكاس لاكتشاف الذات (في شكل تروي اجتماعي ، يجب أن يكون الفرد والحاجة الشخصية مركز الاهتمام) . من خلال الصورة التي تم إنشاؤها على هذا النحو ، يقود المشاهد إلى الرضا الثقافي الروحي ، من خلال أصوات متناغمة ، يتم تعديلها بواسطة نغمات دقيقة من الظلال والألوان ، وتحمل أنقى طاقة لونية للألوان ، مثل الأدوات التي تقدم بوضوح التدفق المتناغم للملاحظات ، لأنه يخترق الروح. يعتبر الإبداع بحد ذاته سيمفونية للقائد الكبير ، والتي تعكس قواعد الإبداع في الفترات الموسيقية الموسيقية. من وجهة النظر هذه ، فإن الإلهام الإبداعي للموسيقي هو من موسيقى المجالات. بالاستماع إلى السمفونيات التي قدمها الملحنون العظماء ، تغرقنا الموسيقى ، ونفصل أنفسنا عن الجوانب الترويحية للحياة.


معرض | روديكا فينكا: "سيمفونية الألوان"

"سمفونية الألوان"، المعرض الفردي الثالث لـ Rodica Vinca ، ستستضيفه مكتبة Sylvain-Garneau في Laval (187 Boulevard Sainte-Rose ، H7L 1L5). يشكل هذا المعرض الجديد 35 عملاً على قماش (أكريليك ووسائط مختلطة) و 17 عملاً على الزجاج (زجاج ملون وكريستال) ، حيث تمت الإشارة مرة أخرى إلى التقنيات واللونية التي استخدمها الفنان.

"سيمفونية الألوان" يواصل ويكمل المعرضين السابقين لـ Rodica Vinca ، من 2016 و 2017 ، "ذاكرة الألوان " وعلى التوالي "أغنية الماء " (حدث كلاهما في مطعم البوتيك Château Napoléon في روزمير). "ذاكرة الألوان" أظهر أن الفنان يستخدم الألوان بشكل كامل وشجاع. لوحاته عبارة عن نسيج ولون وتباين ، ولكن أيضًا انسجام ، تنعكس هذه العناصر في مجمل أعماله ، والتي تتناوب بين مجردة خالصة وسلسلة من العناصر الموحية والعاطفية. داخل ال أغنية الماءحيث ، كما يوحي العنوان ، كان الماء هو الفكرة المركزية ، جربت الفنانة لأول مرة الرسم على الزجاج (المزهريات) ، وهو ما تستكشفه بالكامل في معرض هذا العام.

إليكم ما أخبرتنا به الفنانة عن تطور أسلوبها ، والعلاقة مع الرسم والملجأ في اللون: "أريد تطورًا مستمرًا ، لكن في نفس الوقت لا أريد أن أفقد الصلة بالماضي ، مع في السنوات الأولى ، عندما أردت وتمكنت من استعادة البراءة والوضوح والقوة والإخلاص من خلال دوامات الألوان. النتيجة النهائية معقدة ولكنها في نفس الوقت بسيطة. إنها علاقتي بالشكل والخطوط واللون. الرسم هو عملية عاطفية بديهية ، لها معنى معين لكل عرض على قماش. إنه دافع دائم للمشاعر والمشاعر العميقة ، ينعكس في تناغم الألوان. يستخدمون وسائط مختلفة ، بشكل أساسي الأكريليك مجتمعة بسخاء. يتم تحديد اتساق اللون من خلال تنوع الظلال ، بدون تخفيفات متتالية ، ولكن في مزيج متناغم ".

في السنوات الأخيرة ، لوحظ عمله في كل من كندا وخارجها. في عام 2017 ، حصل على الميدالية البرونزية للأصالة والتقنية والقيمة الجمالية في الحفل الدولي للفنون البصرية Son et Lumière ، وهي مسابقة سنوية تنظمها Cercle des Artistes Peintres et Sculpteurs du Québec (CAPSQ) ، التي هو عضو فيها .

في ربيع هذا العام ، حصلت Rodica Vinca على ميدالية برونزية أخرى ، "La Victoire de Samothrace" ، من أجل الأصالة والقيمة الجمالية والتقنية ومساهمتها في تعزيز فن بلد التبني ، كندا. تم منح الميدالية في النسخة 48 من معرض CAPSQ الدولي في شارينت ماريتايم ، فرنسا ، الذي أقيم في Abbaye de Fontdouce ، وهو دير بنديكتيني تأسس عام 1111 ونصب تاريخي محمي من قبل اليونسكو.


فيديو: السمفونية الشهيرة بحيرة البجع كاملة (شهر اكتوبر 2021).